Las sesudas escuchas acusmaticas (o menos) de ruidos y otras músicas experimentales u otras formas de arte sonoro no son siempre la forma más apetecible de disfrutar de la música.
En algunos casos revisitarel J-pop más chicloso es un agradabilísimo entretenimiento que mejora en su versión video:
Estas seis chicas son Doki-doki. Y no es fácil encontrarlas, identificarlas ni contextualizarlas a no se r que se sepa japonés. Su último disco al parecer se llama dreamcampusla producción de sus canciones muestra claramente de dónde le viene la inspiración a Guille Milkiway con su pretencioso pretendido buen gustoy su La Casa Azul.
Doki-doki son pizpiretas, atractivas y tienen un cierto toque perverso… POP, PoP, pOp, pop
El contexto
emocional y físico en el que se escucha un sonido y en especial la música tiene
una influencia importante en la percepción y al los sentimientos y reacciones
que provoca. Esto parece una obviedad
cuando se refiere a una escucha superficial
de una canción y es sabido que la mayoría de las personas tienen una o más “canción(es)
de su vida (o subida)” y tienen momentos pasados apuntalados en la memoria por
piezas musicales (normalmente canciones pop).
Cuando se avanza
en la escucha y se acerca uno a la escucha más o menos acusmática
de música o arte sonoro
menos convencional, menos pop o menos previsible, la experiencia de las escucha
en distintos momento puede proporcional una gran riqueza de sensaciones.
Una obra maestra
de la música, sí música, es la media hora de ruido, ritmos y texturas de la composición
de Pauline Oliveros"A
Little Noise in the System (Moog System)” de 1966.
No es necesario
llegar a una escucha profunda, como la propia Pauline desarrolló, para
disfrutar de esta pieza. (no conviene escucharla a saltos sino los treinta
minutos de una vez. Pruébese.
La escucha de "A Little Noise in the System
(Moog System)” con auriculares, a oscuras, en la cama, justo antes de dormir
provoca sensaciones, percepciones y reacciones completamente diferentes a las
que produce su escucha durante una sesión de carrera invernal.
Puede resultar bastante difícil dormir después
de escuchar esta música (sí Música), la acumulación de texturas rítmicas y tímbricas
con sus crescendos y saturaciones estimula e inquieta, excita y finalmente puede
llegar a desvelar durante un buen rato. El silencio tras los 30’ de sonido a un
volumen medio o bajo, acompañado por un ligero zumbido de oídos agobia y aparta
el sosiego que es buen compañero del sueño.
Correr mientras
se escucha por los auriculares esta obra de la pionera Pauline Oliveros es una
experiencia singular. A un volumen considerable sólo el jadeo de la carrera
interfiere con los sonidos generados por el primitivo sintetizador Moog de
Oliveros. La anoxia que embota algunos sentidos hace que se perciba el sonido
de la grabación forma distinta. Y ese ruido con sus nada evidentes ritmos acompaña
la carrera y parece que da energía suplementaria que compensa en parte la
fatiga del corredor y facilita la subida de la última cuesta.
Estas son algunas
de la posibilidades de experiencias físicas y corporales provocadas por músicas
que consiguen estimular reacciones nuevas o incluso desconocidas. Y esto es un
placer al alcance de los que se alejan de la música predecible (que tan buenos
ratos de disfrute ofrece) para entrar en una dimensión más arriesgada y de exploración.
Si
empezó todo en Áfricao
no, poco importa. África tiene una presencia dominadora en toda la música pop.
Sin entrar en tecnicismos sobre ritmos, beats,
compases, especialmente el 4/4 (el bombo caja de toda la vida)
parece claro que el Pop está muy acostumbrado a estoy que esto procede de
algunos estilos africanos que influyeron y definieron "rhythm and blues
recordings in the late 1940s and so became one of the defining characteristics
of rock and roll and much contemporary Western popular music".
Al
margen de esa presuntuosa erudición de solfeo básico de garrafón conviene echar
un ojo a lo que se hace en y con África en cuanto a música verdaderamente
moderna.
Uno. Productores
franceses que viven en Madrid como Al Quetz (aka Quetzal), que viajan a Africa
y a su vuelta nos regalan obsesionantes revisiones de percusión recordándonos
el lugar de nacimiento del ritmo (ese ritmillo) algo así o así:
Dos. Y si
interesante es lo que hacen los productores europeos con grabaciones de campo e
inspiración tomada de África, más interesante es lo que hacen los africanos
como el reverendo Foster Manganyi cuando
se deja llevar y partiendo de su rítmica africana contaminada cual "cante
de ida y vuelta"por
el góspel usa primitivas cajas de ritmos para acompañar canciones que
embelesan. Véase:
Sin
embargo, para entender este auténtico MOVIMIENTO, es necesario escuchar y ver a
la vez como se bailan esto ritmos aceleradísimos (a más de180 bpm) y alucinados:
Y
mucho mejor aún verlos en directo como en esta maravillosa y desacompeljada
actuación en Barcelona:
Si en las
gigantescas arenasde los desiertos de Tucson algunos
exploradores de entre California y Mexicoparieron la
llamada música Americana o country alternativo, en Asturias (o tal vez Asturiax) no se quedan
atrás y han inventado la Asturiana music...
Lorena Álvarez
explora caminos nuevos partiendo del DIYy el lo-fi descarnado como tantos otros
en este siglo, pero lo hace desde el pop extremo y sin buscar mestizajes contra
natura. Sus canciones, disponibles aquí integran
elementos como aires verbeneros de pasodoble o de jota tan enraizados en la
húmeda Asturias como el hillbilly lo puede estar en
la Americana music, pero eso sí, sin caer en la horrible fusión.
Lorena procede
del concejo de Ibiasen Asturias, un rincón
remoto y bellísimo con ríos llenos de truchas e incluso idioma propio, el
eonaviego. Y ese origen y entorno profundamente rural se evidencia en las letras de canciones como Buenos Días:
Ya has dado de comer a las gallinas/ los pájaros
empiezan a piar
Es hora de bajar por el sendero/ el barro no te
deja caminar
Sus canciones
recuerdan a Kimya Dawson y cuentan cosas tan sencillas como emotivas entre melodías que serían perfectamente orquestables con pompa y boato que ella prefiere
interpretar y grabar de forma esquelética con una simpleza, desinhibición y
natural amateurismo que rallan la ofensa y a la vez el encanto.
Lorena ha grabado
una cinta; sí, una cinta; con siete
canciones que duran entre todas algo más de 12 minutos y que son pequeñas joyas en cuanto a
originalidad y sentido del humor como demuestra en sus entrañables directos o incluso mejor
en este video en el que la puesta en escena aparece extremadamente
cuidada:
Como ejemplo final
del estilo y el aspecto de esta pionera de la Asturiana music vale la pena escuchar y ver este pasodoble
sandunguero (el decorado detrás de la banda con la ropa tendida es reseñable):
El verano incita a la condescendencia y a apartar el pudor, a un relajo mental, musical y visual; en fin, a la intrascendencia. En este ambiente de relajamiento de costumbres el pop femenino de ojos azules es una opción muy recomendable.
Anna Calvi. Sobreponiéndose a una imagen delicada y sofisticada esta notable guitarrista y compositora tiene una de las voces y actitudes con más personalidad del panorama popero reciente. Con un único disco brillantísimo firmado con su nombre, que es el mimo del grupo que lidera ha suscitado dudas en la inteligentsia. Esas dudas se disipan con una escucha del disco. Y entonces vienen a la mente tanto los nombres de las más traviesas y retozonas estrellas del indie-pop como Cat Power como las veteranas vocalistas de inflexiones tremendistas del viejo after-punk como Siouxsie. En fin, unade las grandes. Cuando Anna Calvi contiene su tendencia a elevar el volumen de su poderosa vos más allá de lo adecuado conforma texturas y giros originales y arrebatadores es un pop con instrumentación clásica pero con hechuras poco vistas antes. Aquí en video
Y muchísimo mejor en directo
como demostró en TVE desde el concierto del matadero de Arganzuela hace unos días, con el mismo terno elegante, vibrante y atractiva a más no poder pese al sol de justicia ...
Florrie, la princesita rubia del pop mainstream con un esteticismo forzado, en este caso en un elegante y efectista video en blanco y negro, tiene una atracción innegable
Además ella es una buena baterista que compone … Y tiene ese estilo superfashion que tan bien le pega con el que arrasa a cualquiera de las divas del showbiz del pop de fácil digestión. Y sin embargo esta chavala tiene detalles que hay que resaltar. Florrie insiste en regalar su música e incita a los remezcladores a triturar sus grabaciones y compartirlas
El Pop de la calzada lateral, ése que rueda despacio en paralelo a la autopista del pop mainstream, a veces nos ofrece canciones de grupos que sin aportar grandes dosis de novedad sí tienen algo especial. Ese es el caso del grupo Anicet Lavodrama, nombre también de un jugador de baloncesto de interesante historia (nótese que ignora a Fernando Martín y alaba a Villalobos en esta entrevista de 2006). Los Anicet Lavodrama de Barcelona han conseguido cierto reconocimiento en blogs tan generosos como recomendables. Con su ramalazo de gafapasta y canciones con estructuras de pop indie-folk-rock-pop de esas que empiezan con guitarra acústica para añadir instrumentos acústico y pintorescos (en este caso no es un ukelele ni un violín sino un acordeón). y crescendos a partir del minuto dos, no pasarían de ser una banda más es estos fértiles prados pop del segundo decenio del siglo veintiuno… Sin embargo Anicet Lavodrama llaman la atención por un romanticismo algo trasnochado en las letras de sus canciones. Un ejemplo es la bonita canción "El último mate de Quique Villalobos" que en una atmósfera melancólica refresca muchas de las sensaciones tan gratas a los que vivieron la edad de plata del baloncesto español de los años ochenta que tanto ayudan a comprender la reciente edad de oro.
Han tenido el lujo de producir un video con el propio Quique Villalobos como protagonista. Escúchese, véase y disfrútese aquí:
No es fácil saber si un concierto ha estado bien o ha sido una birria a no ser que se asista al evento. Esto es bien sabido desde los tiempos de Joaquín Vidal y Vicente Zabala y sus crónicas de toros. Tras años leyendo y comparando esas crónicas con los recuerdos de lo visto el día anterior en la plaza o en la televisión., entendido y sentido como testigo en el festejo se llegaba a tener un cierto entrenamiento que permitía hacerse una idea de qué había sucedido. Con los conciertote música pop aún no se ha llegado a tal nivel de objetividad ni de capacidad para transmitir a los ausentes qué es lo que realmente sucedió en el escenario. Un ejemplo son las crónicas del concierto de Salem en el pasado Primavera Sound. Ver ejemplos:
Salem, grupo de electrónica espeluznante que combina ordenadores y sintetizador con rapeados fantasmales, estuvieron muy bien.
Salem o cómo destrozar un gran disco en directo. … después de un año de giras siguen sin tener ni idea de cómo mostrarlo en directo. Y a estas alturas la cosa empieza ya a sonar a tomadura de pelo
Salem: Lo que tenía que haber sido algo sobrecogedor, se quedó en nada.
Otras web de referencia ni se molestaros en asistir...
La disparidad de opiniones se acerca al esperpento. Los extremos aparecen en la prensa generalista (estuvieron muy bien según El Mundo y fueron una tomadura de pelo según El País) mientras que los reporteros menos profesionales y especializados aportan más matices a su descripción de lo hechos (Mondo Sonoro contextualiza y modula). En otros ámbitos importantes (fútbol) o menores (política) este sesgo tendencioso y desagradable se extrema y conduce en principio a la lectura obsesiva de distintas fuentes para entender mejor los hechos y ante la inutilidad de tales esfuerzo al descreimiento, el escepticismo y el rechazo a leer crónicas o incluso prensa en general. La credibilidad de los medios de comunicación se juega en todos los campos y todos los días. Si hasta en una critica de un concierto de un grupo minoritario las visiones son tan acentuadamente contrapuestas, cómo confiar en los plumillas…
Por cierto, Salem sonaron más o menos así en Barcelona
La disparidad de opiniones se acerca al esperpento. Los extremos aparecen en la prensa generalista (estuvieron muy bien según El Mundo y fueron una tomadura de pelo según El País) mientras que los reporteros menos profesionales y especializados aportan más matices a su descripción de lo hechos (Mondo Sonoro contextualiza y modula).
En otros ámbitos importantes (fútbol) o menores (política) este sesgo tendencioso y desagradable se extrema y conduce en principio a la lectura obsesiva de distintas fuentes para entender mejor los hechos y ante la inutilidad de tales esfuerzo al descreimiento, el escepticismo y el rechazo a leer crónicas o incluso prensa en general. La credibilidad de los medios de comunicación se juega en todos los campos y todos los días. Si hasta en una critica de un concierto de un grupo minoritario las visiones son tan acentuadamente contrapuestas, cómo confiar en los plumillas…
Por cierto, Salem sonaron más o menos así en Barcelona
Y aunque su propuesta no es sencilla y su puesta en escena, especialmente en un festival, parece arriesgada, siguen siendo uno de los grupos mas interesante s del final del primer decenio del siglo XXI
Y aunque su propuesta no es sencilla y su puesta en escena, especialmente en un festival, parece arriesgada, siguen siendo uno de los grupos mas interesante s del final del primer decenio del siglo XXI
Le corps mince de Francoise o LCMDF son un grupo pop de Finlandia que muestra sentido del humor en entrevistas escritas o en video y sobre el que sepueden encontrar referencias más o menos antiguas. Tras un exhaustivo repaso de reseñas y criticas semi-destructivas se puede encontrar una referencia a lo que parece una obvia (u oculta) influencia, los B-52, aunque M.I.A. parece rondar cerca en las discotecas de esta dos hermanas de Helsinki.
Lo cierto es que este dúo hace un pop divertido y estimulante y cantan principalmente en inglés con un acento escandinavo mas marcado que los numerosos y muy interesantes grupos suecos o noruegos.
Su música es encontrable y sus canciones nos ofrecen estrofas geniales como: I've been working too long Did I reach my goal? No, no! Power I need Power to the people give the power to me acompañadas de estribillos chispeantes: Voodoo-ah give me Karma I want some Mahatma Gandhi, Gandhi, Gandhi en su reciente video de su tema Ghandi
Y tienen una forma encantadora de decir "aserejé"… ver el segundo 25'' de su hitazo Ray Ban glasses ..., bueno puede no haver sido un gran hit, pero tenía todas las condiciones para haberlo sido.
Estas chicas demuestran una vez más que el buen pop se puede encontrar en cualquier sitio, que el idioma (sobre todo el inglés) ayuda, pero no condiciona el disfrute de buenas canciones y que el hedonismo del electro-dance-pop feemnino, acelerado y saltarín sigue siendo muy atractivo.
A veces la puesta en escena en directo de las canciones editadas en disco sorprende. Y algunas veces sorprende y gusta. Y mucho. Ayer Deerhunter, un grupo bien singular, ofreció un concierto espléndido en Bruselas (ojo: pasado mañana en Madrid). El último disco del grupo Halción digest recibió buenas o excelentes e incluso exageradamente laudatorias críticas. Con Deerhunter un tema melódico, ambiental y emotivo como Helicopter puede convertirse en directo en algo más energético, llegar a un nivel más elevado de distorsión, reverb y noise, o aplicar una generosa dosis de volumen, ruidos y emoción como anoche. Algo parecido a esto: Parte de esta atractiva transmutación del disco al directo puede atribuirse a la personalidad de su cantante y principal compositor Brandford Cox como se comprueba en entrevistas o en su relación con algunos de sus impertinentes seguidores. Por cierto Bradford Cox presenta dos características que influyen enormemente en su presencia y actitud sobre el escenario. Una es la enfermedad genética que padece, el síndrome de Marfan que también padecía Joey Ramone y que da esa extraña apariencia con dedos larguísimos. Otra es su estilo o método de componer canciones que él califica de 'automatic stream-of-consciousness'. Una vez más se comprueba el enorme atractivo de la música en directo. Lo diferente que puede llegar a sonar en una sala la música de la grabación. Y lo distinto atrae. Y el ruido...
I am sitting in a room different from the one you are in now… El sonido de este video es un fragmento de "I am sitting in a room" de Alvin Lucier. Esta es una grabación de 1969 cuyo original de algo más 15 minutos está aquí y mejor presentado y troceado aquí. El texto que Alvin graba, reproduce, graba de nuevo y reproduce y así hasta 59 veces indica que su objetivo primigenio era la tartamudez. I am sitting in a room different from the one you are in now. I am recording the sound of my speaking voice and I am going to play it back into the room again and again until the resonant frequencies of the room reinforce themselves so that any semblance of my speech, with perhaps the exception of rhythm, is destroyed. What you will hear, then, are the natural resonant frequencies of the room articulated by speech. I regard this activity not so much as a demonstration of a physical fact, but more as a way to smooth out any irregularities my speech might have. Sin embargo esta obra de arte sonoro o de música o de sonido organizado (como se prefiera) subyuga precisamente por su belleza y por el interés de la exploración de la resonancia de una sala, del ritmo del discurso y de las posibilidades del sonido de la voz humana. La escucha de "I am sitting in a room" ilustra como también la resonancia y la distorsión conforman el sonido de la música ... digamos moderna y proporcionan momentos de disfrute. Nótese que esta pieza incluso ha inspirado danza(?).
Semanas sin pop? Incluso más?
El Pop merodea por el Trastero. No es difícil encontrar buen pop: En los programas clásicos de radio (algo cargantes), en los blogs más inspirados o sesudos (aunque a veces rezumando a revista cultureta), en blogs generosos y fundamentalmente en programas de radio frescos y hechos con ilusión, como aquellos que fueron…
Uno de estos programas, uno de los más interesantes es Música Moderna de Radio Enlace, un programa entretenido y variopinto que recoge estilos diversos peor siempre con eso que se ha dado en llamar “pátina de calidad”.
Pero a veces el Pop está más cerca de lo que parece, y los prejuicios y automatismos idiomáticos no ayudan a ver lo que tenemos enfrente.
Y si los Pains of Being Pure at Heart (nuevo disco) no fueran mejores que los baceloneses Fred i Son. Y si nos perdemos la maravillosa canción l'Arc de Sant Martí por no prestar atención. Vease:
Y ya que sabemos que el pop en catalán gusta y debe estar en el menú, por qué no revisar la producción reciente de los ya clásicos Manel. El single Aniversari de esta banda es una maravilla (se puede ver un video de ocho minutos con la misma canción)
que reconcilia con el pop con los delicados arreglos y las secciones de cuerda tanto como The Divine Comedy.
Y si tuviéramos The Pains of Being Pure at Heart, The Divine Comedy o incluso Belle and Sebastian más cerquita de lo que parece.
Y además programas como Música Moderna nos sirven de recordatorio...
Luís Brea es uno de esos raros y necesarios cantantes en un mundo lleno de contingentes cantantes pop.
La mejor forma de comprobarlo es escuchando las cinco canciones del EP "De lo dicho nada" editado por el mismo artista en 2010 y bajable de aquí (sí, lo regala). El artista parece hombre afable en las entrevistas (síndrome de abstinencia radiofónico?) y ofrece un sonido apreciable con la guitarra en el estudio. Pero hay más, se trata de un notable letrista con indudable sentido del humor que consigue envolver la guitarra acústica con texturas, electrónicas a veces o simples palmadas otras, que convierten el tonito de cantautor-pesado-en-medio–tiempo en un suculento pop de perfectamente instalado en el segundo decenio del siglo XXI.
Con ramalazos de punkitud ('no hay en el mundo saliva suficiente para escupir a to los pijos') y frases demoledoras ('sólo vuelves a mi cabeza cuando ponen esa puta canción de Los Planetas') que nos hacen recordar a tantos y tantas que en el mundo han sido y han dañado corazones que luego buscaron refugio en canciones de Los Planetas como ésta que acompaña el desamor hasta que se por fin llega la luz con otras canciones planetarias como esta otra.
Los interesados en el pop no tendrán mayor dificultad para encontrar información sobre el artista, aunque lo verdaderamente reseñable es la autenticidad de las canciones cuajadas de frases brillantes, sinceras y "naturales" y la versatilidad para utilizar esquemas rítmicos variados que encajan como piezas de puzzle en sus canciones pop.
Además su sentido del humor le hace componer y cantar canciones "a-lo-yulio" que no dejan indiferente e invitan a dar palmitas y bailotear tontamente al escuchar el "Dicen por ahí".
Moritz von Oswald trio esta compuesto por músicos conocidos en el mundo la música electrónica de vanguardia: Moritz Von Oswald, Max Loderbauer de Sun Electric y el metamórfico Vladislav Delay. Moritz von Oswald tiene cierto atractivo tras ser portada en revistas culturetas y ser entrevistado en blogs de postín. Y su trío tiene también algo especial en lo musical, editado en formatos físicos y electrónicos no excesivamente caros.
Este pasado fin de semana el Moritz von Oswald trio ha presentado su música en un lugar especial: Recyclart es realmente una estación de tren subterránea del centro de Bruselas, esto implica que está dotada de grifos de cerveza, reconvertida en espacio un polivalente para uso y disfrute de lo aficionado a las artes underground (nunca mejor dicho).
El sábado pasado el Moritz von Oswald trio demostró en Recyclart cómo mezclar sonidos sintéticos y orgánicos sin fisuras. La sesión o concierto del trío consistió en dos pieza de treinta minutos cada una. En ambas pieza se sucedieron poli-ritmos y beats en 2/4 y 4/4 apoyados en una línea de bajo de sintetizador que oprimía el pericardio y hacia oscilar las cabezas de los asistente de forma perfectamente acompasada. La música improvisada por completo consistió en un dialogo entre los dos teclistas o "botonistas" alemanes y el percusionista finlandés. Con gran entendimiento y miradas entre los tres músicos fueron desplegando eso que han dado en llamar dub-minimal-tecno:
Y esta improvisación llevada a cabo por músicos en complicidad, dejándose guiar por bosquejos rítmicos que evolucionan a lo largo de cada pieza recuerda a otra música … efectivamente era y es JAZZ!!!
El jazz del siglo XXI no se limita al piano-bajo-batería redescubriendo una vez más las formas sincopadas africanoides del blues sino que será electrónico.
La disposición sobre el escenario, los clubs, el rupturismo, la libertad de concepción y ejecución refuerzan la impresión de que estamos ante un nuevo estilo de jazz. Véase en la oscuridad
Si se pasa bastante tiempo escuchando músicas suficientemente variadas y explorando un abanico de estilos bien abierto, se encuentran fragmentos, piezas o canciones que conmueven o que agitan sensores de sensibilidades profundas. Esto puede ocurrir con grabaciones como The Electric Harpsichorde de Catherine Christer Hennix. Esta grabación lleva por título el nombre de un instrumento electromecánico bastante conocido pero lo que se escucha no se parece en nada al sonido que se espera de este instrumento.
Tampoco su creadora es lo que se espera, ni nada relacionado con su edición ni con el proceso de su grabación. Alguna crítica erudita indica que este trocito de un concierto que se grabó en 1976 y se ha editado en 2010 es de un caprichosa singularidad. Una substanciosa entrevista reciente resulta muy ilustrativa. En ella se habla de conceptos que ayudan (o no) a entender esta música y a su heterodoza creadora: matemáticas, frecuencias de onda, física quántica, entonaciones, India, abstracción, raga, jazz… Y tras rebuscar un poco se encuentra cómo la artista autodefine sus trabajos: HESE "Hallucinogenic Ecstatic Sound Experience” que sin duda suena mejor que el calificativo que le dedica la discográfica que ha editado The Electric Harpsichord: "the obscure masterpiece of the days of the early American minimalism". La curiosidad incita a visualizar al artista, se consigue pero las inquietudes continúan. Y es que la belleza de esta pieza de casi media hora provoca reacciones potentes y difíciles de explicar. El juego de acordes y reflujos a través de cintas con medios del siglo pasado resultan muy estimulantes y … modernos.
Algunas partes se pueden escuchar cómodamente aquí. Pero la escucha de la pieza al completo es necesaria para apreciar su calidez, elegancia vanguardismo. Se puede buscar fácilmente aquí o aquí.
En resumen las horas de exploración a veces acaban en islas exóticas con tesoros medio ocultos o medio visibles, depende de la inspiración del explorador. Algunos tienen la inspiración que precisan o la suerte de los que la buscan...
Si la distorsión melódica de los Jesus and Mary Chain, My Bloody Valentine, o SonicYouth se acelera, se enturbia y se afila puede aparecer un sonido demoledor. Si a eso se añade una voz aulladora aunque sin llegar a lo de Adri Hoyos de Harry Pussy, un poco de punk añejo estilo UK Subs y techados sucios y tan inconfortables como los de Child Abuse nos acercaremos a los terrenos que exploran los suecos Black Bug.
Back Bug son un dúo que han dado un paso más allá en el escabroso y nuevo synth-punk de este siglo.
Black Bug se sitúan a la vanguardia de la música rompedora pero aún manteniendo una cierta inocencia juvenil incluso popera:
Interesantes también en disco:
No se garantiza una escucha precisamente placentera:
Este escueto post sólo pretende ser una despensa de enlaces que guardan las esencias del pop ochentero español. Ahí se guardan joyas inencontrables, vinilos olvidados, algunos en formatos imposibles como el EP, maxi-single o miniLP. Generalmente de pueden descargar y constituyen un archivo sin orden ni concierto, ni cronológico ni alfabético ni estilístico. Estos blogs recogen pre y post-movidismo, para-movida y movida propiamente dicha. Nostalgia pura:
Los aires campestres le sientan bien al Pop de este siglo. La influencia de los ambientes rurales en Norteamérica esta nutriendo de savia brotes frescos de un folkpop (que no popfolk) que parten de la vieja y sólida rama del folkrock de la segunda mitad del siglo pasado. El interés de los nuevos músicos que practican un pop (cercano al indiefolk o incluso al antifolk pero sin llegar al freakfolk) sin complejos hibridado de armonías, arreglos e instrumentaciones folk lejos de la sofisticadas etiquetas/estilos tan de moda.
Esta música de escucha fácil con referencias visuales pintorescas procede generalmente de los medios oestes del subcontinente norteamericano y aparece adornada con cuerdas sencillas, baterías nítidas, guitarras acústicas y ramalazos de electricidad moderados.
Vuelta al pop bailongo. El Pop inspirado aparece en lugares, momentos y formas inesperados: Norte de España y Bruselas, en invierno y en su forma bailable y hedonista. Delorean son un grupo guipuzcoano de Zarauz que viven en Barcelona y que ha visitado recientemente Bruselas que hace un pop electrónico hedonista bailable con toques dance y una imagen y sonido muy internacional y a la moda, tan actual e internacional que su CD de 2010 “Subiza” podría proceder del colectivo de Baltimore. Ofrecen un directo muy rodado, divertido y un sonido bien engrasado que dificulta su escucha en actitud estática, aunque suene algo sospechoso de excesivo enlatado . Un Ejemplo:
Pese a que su propuesta parece tener fecha de caducidad conviene seguirlos de cerca para poder decir en su momento el repetido “ a estos ya les conocía yo en…”
Otra banda pop del Norte, en este caso dicen navarros aunque nunca se sabe, y con perfil muy internacional son Crystal Fighters. A estos anglonavarros se les podría etiquetar como algo parecido a un combinado de sintetizadores, secuenciadores e instrumentos del folclore vasco que da lugar a un coctel de dance pasado por el filtro del folklore para desgastar las suelas de los zapatos frotándolos con el parquet de la pista. Son unos chicos bien aseados acompañados de chicas monillas y quedonas (ver fotos) cuya imagen en directo televisivo (¿) resulta bien atractiva:
Y ese atractivo procede de una propuesta que, si bien no demasiado original, sí se sabe colocar en la cresta de la ola del electropop a la mode de esta temporada.
El 25 de marzo se verá en Bruselas si verdaderamente dan en directo lo que en disco ha merecido atención y provoca indisimulado disfrute. ¡Ah!, aquel Bailando...
A veces vale la pena arriesgar y salirse de la vereda e incluso de la ruta marcada por hitos y descender laderas abruptas por caminos a descubrir. Se corre el riesgo de quedarse enriscado y de magullarse de tanto forzar el cuerpo y los sentidos. En ocasiones esas excursiones por terrenos poco o nada trillados hay que hacerlas en soledad o en grupos pequeños. Algo parecido pasa con la música de Keith Fullerton Whitman, que es un músico también conocido como Hrvatski que deambula entre lo electrónico, lo experimental, ambient o compleja drill and bass. Sus sonidos desordenados y cacofónicos tienden a ganar coherencia en el transcurso del desarrollo cada tema. En esta actuación indirecta toca lo que parece ser parte de uno de los discos que ha editado este año, en concreto el “Generators”, que se editó acompañado de la cinta “live Generators “ con grabaciones de esas mismas piezas en directo y que resultan más atractivas que el CD original.
El otro disco de 2010 es “Disingenuity b/w Disingenuousness”, con sonidos y ruidos de apariencia aún más aleatoria que parecen buscar la confrontación con el espíritu aventurero del audaz oído. La satisfacción tras escuchas las dos piezas que componen la grabación amodo de caras A y B de un vinilo. Nota: las etiquetas en las sesudas críticas son más erráticas de lo habitual. Para este disco se encuentran: analog, electronic, musique concrète, tape-collage, risk, Abstract, Musique Concrète, Drone, Experimental. Todas estas etiquetas están recogidas de críticas del la citada grabación aquí o aquí o másallá demostrando el interés que ha despertado en la muchachada freaksperimental de la web. Un fragmento de Disingenuousness se escucha aquí: "Disingenuousness" (excerpt) by kfw
Bajar por este despeñadero de sonido vale la pena. No escalabrarse.
Los conciertos, por distintos motivos, tienen el poder de cambiar el sino y el destino de las personas que asisten a ellos. La música tiene el poder de estimular y desencadenar reacciones de una intensidad tal que pueden marcar la personalidad de ciertos individuos, o no.
Algunos de estos conciertos poderosos podrían haber sido:
La voz, la dicción y el compás del Lebrijano en Ávila al principio de los años ochenta mostrando un camino personalísimo al margen del Camaronismo.
Aviador Dro, Los Pistones y Radio Futura en la plaza de toros de Ávila en el verano de 1984. Entre escarceos sentimentales y devoción por Los Pistones, el Aviador marcó una noche inolvidable cerrada por unos siempre sobrevalorados Radio Futura, ya entonces bastante pendientes de sí mismos.
Sarah Vaughan en el Teatro Real de Madrid el 7de noviembre de 1985. La presencia de esta dama en ese recinto y su pieza sin micrófono ni amplificación de sonido con todo el sentido de la música de su raza supuso una cirugía cardiaca mayor y la implantación de la válvula del jazz en el corazón de algunos… para siempre.
Los Smiths en el Paseo de Camoens en Mayo de 1985 hicieron saber a los asistentes a esa gran misa mayor del pop que estaban ante un acontecimiento único que no podía sino influir en sus vidas, y que se convertiría en unos de los conciertos con más referencias en artículos y blogs dedicados al Pop.
Camarón en el Palacio de los Deportes de Madrid en Mayo de 1988 consiguió el silencio de sus miles de fanáticos devotos y mostró, menguado de facultades y evidenciando sus dependencias, el camaronismo extremo que tanto bien hizo al flamenco. Todo ello mientras los gitanos tapaban las rodillas de sus esposas con sus pañuelos para protegerlas de las miradas de los pocos payos que se sentaban en las sillas de la pista.
Los Pixies en la sala Universal Sur de Madrid el 17 de septiembre de 1990. Un setlist de 28 canciones, ríos de tinta y documentos sonoros dan innecesaria fé de la intensidad de una sesión de rock que hizo entrever el camino que emprendería el pop rock menos adocenado en los noventa.
Los Lagartija Nick en Ávila en una madrugada del verano de 1996, tras una tormenta que obligó a retrasar la aparición de unos Lagartija que prefirieron tocar aal amanecer que suspender y cobrar menos, como bien les hizo saber el inolvidable concejal abulense de fiestas de entonces. Un maremoto de rock futurista, agresivo, ruidista de corte experimental, con el que Lagartija Nick inundó de sonido apabullante, arriesgó y convenció a los pocos escépticos que lo disfrutaron con el estómago encogido.
Antonio Vega en marzo de 2006 en el Teatro Juan Bravo de Segovia. Una sesión de acupuntura para el corazón en la que las frases más emotivas y terapéuticas del Pop español traspasaron los más duros caparazones de la resignación y el desengaño bañadas en melodías balsámicas.
El concierto de los Dillinger Escape Plan en Bruselas a las tres de la tarde del sábado 6 de febrero de 2010 fue una tormenta de una violencia extremadamente técnica en cuanto a la música compleja y llena de breaks y giros y retorcimientos en cada tema ,que bombarderon el tímpano y estrujaron las neuronas de los espectadores para seguir el complejo desarrollo de sus canciones de math metal.
El reciente concierto de Health en Bruselas el 28 de octubre de 2010 amplía el horizonte de las posibilidades de un grupo moderadamente vanguardista con un solvente dinamismo en escena y un sonido electrónico abrumador no precisamente fácil de describir.
Pero sin duda la experiencia de ayer en Bruselas puede y debe cambiar vidas. De hecho, vista la expresión en los ojos de muchos de los asistentes al concierto de Swans, uno podría decir que su vida ya había cambiado. Los resucitados Swans han editado un nuevo disco tras años de silencio que ha recibido los parabienes de los críticos más sesudos que son adorados cual becerros de oro. Estos Swans de aspecto feroz se empeñan en presentar sus nuevas grabaciones usando generosamente recursos instrumentales, experiencia y decibelios.
Algo parecido a esto perpetraron ayer en Bruselas. Fueron y son temas de larguísima introducción, con crescendos brutales que se hacen eternos y con partes intermedias de un lirismo desnudo que se clavan como agujas en las heridas descarnadas que ha producido la percusión sincopada y que, cubiertas con la sal de los teclados aullantes, exudan emociones. Y si hay emoción hay arte, y el arte tiene la facultad de poder (solo en potencia) cambiar la vida de las personas. Este video presenta muy bien los que Swans ofrece… y refleja también el ambiente que crean entre sus seguidores, entre los que abundan, como bien refleja la filmación, rapados, gafa-pastas y jovencitas, o no tanto, ensimismadas y abducidas por un MichaelGira con la autoestima a la altura de los decibelios que ofrece a los descarnados oídos incautos.
Si alguien quiere arriesgarse a que su vida cambie, lo primero que debe hacer es dejar su barca y arriesgarse para exponerse al arte, especialmente a la música. Dicen.
"Tú eras muy Pop" era un programa de radio (Radio Alma, Bruselas, 2007-2008) remedo de otro (Tu eres muy Pop, Antena 3 de Radio, Avila, 1982-1983) y fue un apartamento compartido, un apartamento luminoso, bien distribuido y uno se encontraba a gusto en él. Fue suficiente para una pareja. Y a veces hubo visitas.
Con el paso del tiempo, se acumulan enseres, trastos, y también pequeñas joyas que no encuentran acomodo en un modesto apartamento.
El cuarto trastero es la estancia que desahoga "Tu eras muy Pop" y también el sitio de mi recreo.
En el suelo del trastero hay montones de cachivaches y también estanterías rotuladas donde colocar las cosas.
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