En vísperas de Wembley y un año después de Hamburgo, este texto extraído de Fever Pitch, la obra maestra de Nick Hornby ilustra perfectamente lo que el fútbol es para los forofos. Y forofo es una palabra más bonita que fan, tifoso, hincha, hooligan, supporter...
One thing I know for sure about being a fan is this: it is not a vicarious pleasure, despite all appearances to the contrary, and those who say that they would rather do than watch are missing the point. Football is a context where watching becomes doing – not in the aerobic sense, because watching a game, smoking your head off while doing so, drinking after it has finished and eating chips on the way home is unlikely to do you a whole lot of Jane Fonda good, in the way that chuffing up and down a pitch is supposed to. But when there is some kind of triumph, the pleasure does not radiate from the players outwards until it reaches the likes of us at the back of the terraces in a pale and diminished form; our fun is not a watery version of the team’s fun, even though they are the ones that get to score the goals and climb the steps at Wembley to meet Princess Diana. The joy we feel on occasions like this is not a celebration of others’ good fortune, but a celebration of our own; and when there is a disastrous defeat the sorrow that engulfs us is, in effect, self-pity, and anyone who wishes to understand how football is consumed must realise this above all things.
The players are merely our representatives, chosen by the manager rather than elected by us, but our representatives nonetheless, and sometimes if you look hard you can see the little poles that join them together, and the handles at the side that enable us to move them. I am a part of the club, just as the club is a part of me; and I say this fully aware that the club exploits me, disregards my views, and treats me shoddily on occasions, so my feeling of organic connection is not built on a muddle-headed and sentimental misunderstanding of how professional football works. This Wembley win belonged to me every bit as much as it belonged to Charlie Nicholas or George Graham (does Nicholas, who was dropped by Graham right at the start of the following season, and then sold, remember the afternoon as fondly?), and I worked every bit as hard for it as they did. The only difference between me and them is that I have put in more hours, more years, more decades than them, and so had a better understanding of the afternoon, a sweeter appreciation of why the sun still shines when I remember it.
Buena suerte
Ruinas al Pop (haciendo clic en la foto se escucha arqueologia pop)
lunes, 23 de mayo de 2011
jueves, 12 de mayo de 2011
Le corps mince de Francoise
Le corps mince de Francoise o LCMDF son un grupo pop de Finlandia que muestra sentido del humor en entrevistas escritas o en video y sobre el que sepueden encontrar referencias más o menos antiguas. Tras un exhaustivo repaso de reseñas y criticas semi-destructivas se puede encontrar una referencia a lo que parece una obvia (u oculta) influencia, los B-52, aunque M.I.A. parece rondar cerca en las discotecas de esta dos hermanas de Helsinki.
Lo cierto es que este dúo hace un pop divertido y estimulante y cantan principalmente en inglés con un acento escandinavo mas marcado que los numerosos y muy interesantes grupos suecos o noruegos.
Su música es encontrable y sus canciones nos ofrecen estrofas geniales como:
I've been working too long
Did I reach my goal?
No, no! Power I need
Power to the people give the power to me
acompañadas de estribillos chispeantes:
Voodoo-ah give me Karma
I want some Mahatma Gandhi, Gandhi, Gandhi
en su reciente video de su tema Ghandi
Y tienen una forma encantadora de decir "aserejé"… ver el segundo 25'' de su hitazo Ray Ban glasses ..., bueno puede no haver sido un gran hit, pero tenía todas las condiciones para haberlo sido.
Estas chicas demuestran una vez más que el buen pop se puede encontrar en cualquier sitio, que el idioma (sobre todo el inglés) ayuda, pero no condiciona el disfrute de buenas canciones y que el hedonismo del electro-dance-pop feemnino, acelerado y saltarín sigue siendo muy atractivo.
Lo cierto es que este dúo hace un pop divertido y estimulante y cantan principalmente en inglés con un acento escandinavo mas marcado que los numerosos y muy interesantes grupos suecos o noruegos.
Su música es encontrable y sus canciones nos ofrecen estrofas geniales como:
I've been working too long
Did I reach my goal?
No, no! Power I need
Power to the people give the power to me
acompañadas de estribillos chispeantes:
Voodoo-ah give me Karma
I want some Mahatma Gandhi, Gandhi, Gandhi
en su reciente video de su tema Ghandi
Y tienen una forma encantadora de decir "aserejé"… ver el segundo 25'' de su hitazo Ray Ban glasses ..., bueno puede no haver sido un gran hit, pero tenía todas las condiciones para haberlo sido.
Estas chicas demuestran una vez más que el buen pop se puede encontrar en cualquier sitio, que el idioma (sobre todo el inglés) ayuda, pero no condiciona el disfrute de buenas canciones y que el hedonismo del electro-dance-pop feemnino, acelerado y saltarín sigue siendo muy atractivo.
jueves, 14 de abril de 2011
Merzbow. Rey del noise
Se puede acercar uno al noise desde un punto de partida más bien intelectual y de exploración de las nuevas fronteras de la música y el arte sonoro. Los diversos estilos del noise, como por ejemplo las recientes grabaciones de Joey Colley
o algunas grabaciones de paisajes sonoros, escuchados tranquilamente, especialmente con auriculares, tienden a producir sensaciones sutiles y a veces un extraño sosiego.
No es este el caso cuando se trata de un concierto en directo del que se ha considerado el artista más importante del Noise.
En efecto, un concierto de Merzbow se convierte en una experiencia inolvidable, casi trascendental la primera vez (como anteayer en Bruselas para alguno). Anteayer ejecutó una larga suite (?) de 50 minutos, una especie de bis de 9 minutos y si mirar siquiera a la audiencia procedió a recoger él mismo los cables y aparatos que componían su set instrumental (?).
Un concierto de Merzbow es algo muy físico y orgánico. Una avalancha de sonido a volumen casi doloroso (los tapones para oídos que se recomiendan se convierten en casi necesarios) que sobrecoge, excita, conmueve y provoca cadenas de sensaciones ya olvidadas o… completamente nuevas. Se puede ver incluso gente bailando…
Este japonés impertérrito en escena se produce con energía, violencia o calma tensa sobre sus cacharros más o menos electrónicos desprendiendo sonidos tan abrumadores como a veces opresivos.
Vease aquí o mejor unos segundos aquí debajo:
Y una idea más clara aquí:
Muy recomendable para los que gustan de emociones fuertes y para demostrar que la vanguardia no es en absoluto un refugio de anodinos y diletantes gafapastas ...
o algunas grabaciones de paisajes sonoros, escuchados tranquilamente, especialmente con auriculares, tienden a producir sensaciones sutiles y a veces un extraño sosiego.
No es este el caso cuando se trata de un concierto en directo del que se ha considerado el artista más importante del Noise.
En efecto, un concierto de Merzbow se convierte en una experiencia inolvidable, casi trascendental la primera vez (como anteayer en Bruselas para alguno). Anteayer ejecutó una larga suite (?) de 50 minutos, una especie de bis de 9 minutos y si mirar siquiera a la audiencia procedió a recoger él mismo los cables y aparatos que componían su set instrumental (?).
Un concierto de Merzbow es algo muy físico y orgánico. Una avalancha de sonido a volumen casi doloroso (los tapones para oídos que se recomiendan se convierten en casi necesarios) que sobrecoge, excita, conmueve y provoca cadenas de sensaciones ya olvidadas o… completamente nuevas. Se puede ver incluso gente bailando…
Este japonés impertérrito en escena se produce con energía, violencia o calma tensa sobre sus cacharros más o menos electrónicos desprendiendo sonidos tan abrumadores como a veces opresivos.
Vease aquí o mejor unos segundos aquí debajo:
Y una idea más clara aquí:
Muy recomendable para los que gustan de emociones fuertes y para demostrar que la vanguardia no es en absoluto un refugio de anodinos y diletantes gafapastas ...
martes, 12 de abril de 2011
Deerhunter en directo
A veces la puesta en escena en directo de las canciones editadas en disco sorprende. Y algunas veces sorprende y gusta. Y mucho. Ayer Deerhunter, un grupo bien singular, ofreció un concierto espléndido en Bruselas (ojo: pasado mañana en Madrid). El último disco del grupo Halción digest recibió buenas o excelentes e incluso exageradamente laudatorias críticas. Con Deerhunter un tema melódico, ambiental y emotivo como Helicopter puede convertirse en directo en algo más energético, llegar a un nivel más elevado de distorsión, reverb y noise, o aplicar una generosa dosis de volumen, ruidos y emoción como anoche. Algo parecido a esto:
Parte de esta atractiva transmutación del disco al directo puede atribuirse a la personalidad de su cantante y principal compositor Brandford Cox como se comprueba en entrevistas o en su relación con algunos de sus impertinentes seguidores. Por cierto Bradford Cox presenta dos características que influyen enormemente en su presencia y actitud sobre el escenario. Una es la enfermedad genética que padece, el síndrome de Marfan que también padecía Joey Ramone y que da esa extraña apariencia con dedos larguísimos. Otra es su estilo o método de componer canciones que él califica de 'automatic stream-of-consciousness'. Una vez más se comprueba el enorme atractivo de la música en directo. Lo diferente que puede llegar a sonar en una sala la música de la grabación. Y lo distinto atrae. Y el ruido...
Parte de esta atractiva transmutación del disco al directo puede atribuirse a la personalidad de su cantante y principal compositor Brandford Cox como se comprueba en entrevistas o en su relación con algunos de sus impertinentes seguidores. Por cierto Bradford Cox presenta dos características que influyen enormemente en su presencia y actitud sobre el escenario. Una es la enfermedad genética que padece, el síndrome de Marfan que también padecía Joey Ramone y que da esa extraña apariencia con dedos larguísimos. Otra es su estilo o método de componer canciones que él califica de 'automatic stream-of-consciousness'. Una vez más se comprueba el enorme atractivo de la música en directo. Lo diferente que puede llegar a sonar en una sala la música de la grabación. Y lo distinto atrae. Y el ruido...
jueves, 31 de marzo de 2011
I am sitting in a room
I am sitting in a room different from the one you are in now…
El sonido de este video es un fragmento de "I am sitting in a room" de Alvin Lucier. Esta es una grabación de 1969 cuyo original de algo más 15 minutos está aquí y mejor presentado y troceado aquí. El texto que Alvin graba, reproduce, graba de nuevo y reproduce y así hasta 59 veces indica que su objetivo primigenio era la tartamudez. I am sitting in a room different from the one you are in now. I am recording the sound of my speaking voice and I am going to play it back into the room again and again until the resonant frequencies of the room reinforce themselves so that any semblance of my speech, with perhaps the exception of rhythm, is destroyed. What you will hear, then, are the natural resonant frequencies of the room articulated by speech. I regard this activity not so much as a demonstration of a physical fact, but more as a way to smooth out any irregularities my speech might have. Sin embargo esta obra de arte sonoro o de música o de sonido organizado (como se prefiera) subyuga precisamente por su belleza y por el interés de la exploración de la resonancia de una sala, del ritmo del discurso y de las posibilidades del sonido de la voz humana. La escucha de "I am sitting in a room" ilustra como también la resonancia y la distorsión conforman el sonido de la música ... digamos moderna y proporcionan momentos de disfrute. Nótese que esta pieza incluso ha inspirado danza(?).
El sonido de este video es un fragmento de "I am sitting in a room" de Alvin Lucier. Esta es una grabación de 1969 cuyo original de algo más 15 minutos está aquí y mejor presentado y troceado aquí. El texto que Alvin graba, reproduce, graba de nuevo y reproduce y así hasta 59 veces indica que su objetivo primigenio era la tartamudez. I am sitting in a room different from the one you are in now. I am recording the sound of my speaking voice and I am going to play it back into the room again and again until the resonant frequencies of the room reinforce themselves so that any semblance of my speech, with perhaps the exception of rhythm, is destroyed. What you will hear, then, are the natural resonant frequencies of the room articulated by speech. I regard this activity not so much as a demonstration of a physical fact, but more as a way to smooth out any irregularities my speech might have. Sin embargo esta obra de arte sonoro o de música o de sonido organizado (como se prefiera) subyuga precisamente por su belleza y por el interés de la exploración de la resonancia de una sala, del ritmo del discurso y de las posibilidades del sonido de la voz humana. La escucha de "I am sitting in a room" ilustra como también la resonancia y la distorsión conforman el sonido de la música ... digamos moderna y proporcionan momentos de disfrute. Nótese que esta pieza incluso ha inspirado danza(?).
sábado, 26 de marzo de 2011
Y dónde está el pop?
Semanas sin pop? Incluso más?
El Pop merodea por el Trastero. No es difícil encontrar buen pop: En los programas clásicos de radio (algo cargantes), en los blogs más inspirados o sesudos (aunque a veces rezumando a revista cultureta), en blogs generosos y fundamentalmente en programas de radio frescos y hechos con ilusión, como aquellos que fueron…
Uno de estos programas, uno de los más interesantes es Música Moderna de Radio Enlace, un programa entretenido y variopinto que recoge estilos diversos peor siempre con eso que se ha dado en llamar “pátina de calidad”.
Pero a veces el Pop está más cerca de lo que parece, y los prejuicios y automatismos idiomáticos no ayudan a ver lo que tenemos enfrente.
Y si los Pains of Being Pure at Heart (nuevo disco) no fueran mejores que los baceloneses Fred i Son. Y si nos perdemos la maravillosa canción l'Arc de Sant Martí por no prestar atención. Vease:
<
Y si además se comprueba que Fred i Son son capaces de hacerlo bien en acústico y directo…
Y ya que sabemos que el pop en catalán gusta y debe estar en el menú, por qué no revisar la producción reciente de los ya clásicos Manel. El single Aniversari de esta banda es una maravilla (se puede ver un video de ocho minutos con la misma canción)
que reconcilia con el pop con los delicados arreglos y las secciones de cuerda tanto como The Divine Comedy.
Y si tuviéramos The Pains of Being Pure at Heart, The Divine Comedy o incluso Belle and Sebastian más cerquita de lo que parece.
Y además programas como Música Moderna nos sirven de recordatorio...
El Pop merodea por el Trastero. No es difícil encontrar buen pop: En los programas clásicos de radio (algo cargantes), en los blogs más inspirados o sesudos (aunque a veces rezumando a revista cultureta), en blogs generosos y fundamentalmente en programas de radio frescos y hechos con ilusión, como aquellos que fueron…
Uno de estos programas, uno de los más interesantes es Música Moderna de Radio Enlace, un programa entretenido y variopinto que recoge estilos diversos peor siempre con eso que se ha dado en llamar “pátina de calidad”.
Pero a veces el Pop está más cerca de lo que parece, y los prejuicios y automatismos idiomáticos no ayudan a ver lo que tenemos enfrente.
Y si los Pains of Being Pure at Heart (nuevo disco) no fueran mejores que los baceloneses Fred i Son. Y si nos perdemos la maravillosa canción l'Arc de Sant Martí por no prestar atención. Vease:
<
Y si además se comprueba que Fred i Son son capaces de hacerlo bien en acústico y directo…
Y ya que sabemos que el pop en catalán gusta y debe estar en el menú, por qué no revisar la producción reciente de los ya clásicos Manel. El single Aniversari de esta banda es una maravilla (se puede ver un video de ocho minutos con la misma canción)
que reconcilia con el pop con los delicados arreglos y las secciones de cuerda tanto como The Divine Comedy.
Y si tuviéramos The Pains of Being Pure at Heart, The Divine Comedy o incluso Belle and Sebastian más cerquita de lo que parece.
Y además programas como Música Moderna nos sirven de recordatorio...
viernes, 4 de marzo de 2011
Quién es Luís Brea?
Luís Brea es uno de esos raros y necesarios cantantes en un mundo lleno de contingentes cantantes pop.
La mejor forma de comprobarlo es escuchando las cinco canciones del EP "De lo dicho nada" editado por el mismo artista en 2010 y bajable de aquí (sí, lo regala).
El artista parece hombre afable en las entrevistas (síndrome de abstinencia radiofónico?)
y ofrece un sonido apreciable con la guitarra en el estudio. Pero hay más, se trata de un notable letrista con indudable sentido del humor que consigue envolver la guitarra acústica con texturas, electrónicas a veces o simples palmadas otras, que convierten el tonito de cantautor-pesado-en-medio–tiempo en un suculento pop de perfectamente instalado en el segundo decenio del siglo XXI.
Con ramalazos de punkitud ('no hay en el mundo saliva suficiente para escupir a to los pijos') y frases demoledoras ('sólo vuelves a mi cabeza cuando ponen esa puta canción de Los Planetas') que nos hacen recordar a tantos y tantas que en el mundo han sido y han dañado corazones que luego buscaron refugio en canciones de Los Planetas como ésta que acompaña el desamor hasta que se por fin llega la luz con otras canciones planetarias como esta otra.
Los interesados en el pop no tendrán mayor dificultad para encontrar información sobre el artista, aunque lo verdaderamente reseñable es la autenticidad de las canciones cuajadas de frases brillantes, sinceras y "naturales" y la versatilidad para utilizar esquemas rítmicos variados que encajan como piezas de puzzle en sus canciones pop.
Además su sentido del humor le hace componer y cantar canciones "a-lo-yulio" que no dejan indiferente e invitan a dar palmitas y bailotear tontamente al escuchar el "Dicen por ahí".
Vuelta al pop.
La mejor forma de comprobarlo es escuchando las cinco canciones del EP "De lo dicho nada" editado por el mismo artista en 2010 y bajable de aquí (sí, lo regala).
El artista parece hombre afable en las entrevistas (síndrome de abstinencia radiofónico?)
y ofrece un sonido apreciable con la guitarra en el estudio. Pero hay más, se trata de un notable letrista con indudable sentido del humor que consigue envolver la guitarra acústica con texturas, electrónicas a veces o simples palmadas otras, que convierten el tonito de cantautor-pesado-en-medio–tiempo en un suculento pop de perfectamente instalado en el segundo decenio del siglo XXI.
Con ramalazos de punkitud ('no hay en el mundo saliva suficiente para escupir a to los pijos') y frases demoledoras ('sólo vuelves a mi cabeza cuando ponen esa puta canción de Los Planetas') que nos hacen recordar a tantos y tantas que en el mundo han sido y han dañado corazones que luego buscaron refugio en canciones de Los Planetas como ésta que acompaña el desamor hasta que se por fin llega la luz con otras canciones planetarias como esta otra.
Los interesados en el pop no tendrán mayor dificultad para encontrar información sobre el artista, aunque lo verdaderamente reseñable es la autenticidad de las canciones cuajadas de frases brillantes, sinceras y "naturales" y la versatilidad para utilizar esquemas rítmicos variados que encajan como piezas de puzzle en sus canciones pop.
Además su sentido del humor le hace componer y cantar canciones "a-lo-yulio" que no dejan indiferente e invitan a dar palmitas y bailotear tontamente al escuchar el "Dicen por ahí".
Vuelta al pop.
lunes, 28 de febrero de 2011
Moritz von Oswald trio
Moritz von Oswald trio esta compuesto por músicos conocidos en el mundo la música electrónica de vanguardia: Moritz Von Oswald, Max Loderbauer de Sun Electric y el metamórfico Vladislav Delay.
Moritz von Oswald tiene cierto atractivo tras ser portada en revistas culturetas y ser entrevistado en blogs de postín. Y su trío tiene también algo especial en lo musical, editado en formatos físicos y electrónicos no excesivamente caros.
Este pasado fin de semana el Moritz von Oswald trio ha presentado su música en un lugar especial: Recyclart es realmente una estación de tren subterránea del centro de Bruselas, esto implica que está dotada de grifos de cerveza, reconvertida en espacio un polivalente para uso y disfrute de lo aficionado a las artes underground (nunca mejor dicho).
El sábado pasado el Moritz von Oswald trio demostró en Recyclart cómo mezclar sonidos sintéticos y orgánicos sin fisuras. La sesión o concierto del trío consistió en dos pieza de treinta minutos cada una. En ambas pieza se sucedieron poli-ritmos y beats en 2/4 y 4/4 apoyados en una línea de bajo de sintetizador que oprimía el pericardio y hacia oscilar las cabezas de los asistente de forma perfectamente acompasada.
La música improvisada por completo consistió en un dialogo entre los dos teclistas o "botonistas" alemanes y el percusionista finlandés. Con gran entendimiento y miradas entre los tres músicos fueron desplegando eso que han dado en llamar dub-minimal-tecno:
Y esta improvisación llevada a cabo por músicos en complicidad, dejándose guiar por bosquejos rítmicos que evolucionan a lo largo de cada pieza recuerda a otra música … efectivamente era y es JAZZ!!!
El jazz del siglo XXI no se limita al piano-bajo-batería redescubriendo una vez más las formas sincopadas africanoides del blues sino que será electrónico.
La disposición sobre el escenario, los clubs, el rupturismo, la libertad de concepción y ejecución refuerzan la impresión de que estamos ante un nuevo estilo de jazz.
Véase en la oscuridad
O a la luz del día
Moritz von Oswald tiene cierto atractivo tras ser portada en revistas culturetas y ser entrevistado en blogs de postín. Y su trío tiene también algo especial en lo musical, editado en formatos físicos y electrónicos no excesivamente caros.
Este pasado fin de semana el Moritz von Oswald trio ha presentado su música en un lugar especial: Recyclart es realmente una estación de tren subterránea del centro de Bruselas, esto implica que está dotada de grifos de cerveza, reconvertida en espacio un polivalente para uso y disfrute de lo aficionado a las artes underground (nunca mejor dicho).
El sábado pasado el Moritz von Oswald trio demostró en Recyclart cómo mezclar sonidos sintéticos y orgánicos sin fisuras. La sesión o concierto del trío consistió en dos pieza de treinta minutos cada una. En ambas pieza se sucedieron poli-ritmos y beats en 2/4 y 4/4 apoyados en una línea de bajo de sintetizador que oprimía el pericardio y hacia oscilar las cabezas de los asistente de forma perfectamente acompasada.
La música improvisada por completo consistió en un dialogo entre los dos teclistas o "botonistas" alemanes y el percusionista finlandés. Con gran entendimiento y miradas entre los tres músicos fueron desplegando eso que han dado en llamar dub-minimal-tecno:
Y esta improvisación llevada a cabo por músicos en complicidad, dejándose guiar por bosquejos rítmicos que evolucionan a lo largo de cada pieza recuerda a otra música … efectivamente era y es JAZZ!!!
El jazz del siglo XXI no se limita al piano-bajo-batería redescubriendo una vez más las formas sincopadas africanoides del blues sino que será electrónico.
La disposición sobre el escenario, los clubs, el rupturismo, la libertad de concepción y ejecución refuerzan la impresión de que estamos ante un nuevo estilo de jazz.
Véase en la oscuridad
O a la luz del día
sábado, 19 de febrero de 2011
Christina Rosenvinge, galgo afgano o pop feminoide?
Una vez más se tropieza en la misma piedra. Christina Rosenvinge saca disco nuevo y el mundo se detiene y se lanzan fuegos artificiales desde los dúplex más pop-posh o desde las elegantes terrazas donde se sirve pop-de-calidad.
Y vuelven las dudas. Y se vuelve a escuchar “La joven dolores”. Y las dudas siguen. Y la cabellera rubia mojada, los tacones y el paseo como galga afgana por tierras castellanas esperando que salte la liebre de su video no ayuda nada nada nada. Véase.
Pero peor es ver que su inútil sitio web devuelve el mensaje (Bandwidth Limit Exceeded. The server is temporarily unable to service your request due to the site owner reaching his/her bandwidth limit. Please try again later) de los que desconfían de internet y arguyen a favor de la propiedad de los derechos de propiedad de la propiedad intelectual. Allá ella y ellos.
Y la frase que resume de forma benevolente su último disco ya ha sido escrita hace tiempo: “Christina Rosenvinge: El lastre de su brillantez”.
Esa brillantez merece una disección, no sea que el oropel nos engañe.
Este nuevo disco lo que no es es nuevo. Si bien se parece mucho a “Tu labio superior”, nuestra una cierta evolución… o es ovulación?
Este disco muestra una factura, en cuanto a su producción e instrumentación, elegante, trabajada, impecable como un menú de boda de postín. Aquí hay de todo: la acústica omnipresente, un piano que a veces indica dónde está el camino arriesgado que nunca sigue, un espolvoreado de eléctrica distorsionada (Uau!, es que está el Ranaldo), batería competente voces dobladas con sentido, el violoncelo tan del siglo en curso…
Las canciones de este disco muestra influencias interesantes: Leonard Cohen, La Buena Vida, Vainica Doble... que pasadas por el tonito de felpa ratonero de Christina acaban por saturar las papilas gustativas.
Y sus letras. Cada canción tiene un par de frases memorables. Mejor dicho frases y rimas escritas para ser memorables. Frases escritas en un ejercicio de estilismo artificioso. Ah!, esas letras... Letras e historias siempre femeninas. Tan femeninas. Mejor dicho feminoides; y tan cuajadas de estrógenos que cargan. Historias que recuerdan días de opiáceos a dosis terapéuticas (eso sí)
Volvemos a los prejuicios? Puede, pero Christina Rosenvinge sigue siendo una cantante epidérmica que sólo raramente llega a la dermis bien vascularizada, y casi nunca entra en el torrente sanguíneo. Pobre, ella que hace canciones de cardiólogo no consigue llega al corazón. Quizás porque ni siquiera roza la dermis.
Seguro que son prejuicios. Pero ni siquiera está claro si un galgo afgano sea más bello que un perdiguero
Y vuelven las dudas. Y se vuelve a escuchar “La joven dolores”. Y las dudas siguen. Y la cabellera rubia mojada, los tacones y el paseo como galga afgana por tierras castellanas esperando que salte la liebre de su video no ayuda nada nada nada. Véase.
Pero peor es ver que su inútil sitio web devuelve el mensaje (Bandwidth Limit Exceeded. The server is temporarily unable to service your request due to the site owner reaching his/her bandwidth limit. Please try again later) de los que desconfían de internet y arguyen a favor de la propiedad de los derechos de propiedad de la propiedad intelectual. Allá ella y ellos.
Y la frase que resume de forma benevolente su último disco ya ha sido escrita hace tiempo: “Christina Rosenvinge: El lastre de su brillantez”.
Esa brillantez merece una disección, no sea que el oropel nos engañe.
Este nuevo disco lo que no es es nuevo. Si bien se parece mucho a “Tu labio superior”, nuestra una cierta evolución… o es ovulación?
Este disco muestra una factura, en cuanto a su producción e instrumentación, elegante, trabajada, impecable como un menú de boda de postín. Aquí hay de todo: la acústica omnipresente, un piano que a veces indica dónde está el camino arriesgado que nunca sigue, un espolvoreado de eléctrica distorsionada (Uau!, es que está el Ranaldo), batería competente voces dobladas con sentido, el violoncelo tan del siglo en curso…
Las canciones de este disco muestra influencias interesantes: Leonard Cohen, La Buena Vida, Vainica Doble... que pasadas por el tonito de felpa ratonero de Christina acaban por saturar las papilas gustativas.
Y sus letras. Cada canción tiene un par de frases memorables. Mejor dicho frases y rimas escritas para ser memorables. Frases escritas en un ejercicio de estilismo artificioso. Ah!, esas letras... Letras e historias siempre femeninas. Tan femeninas. Mejor dicho feminoides; y tan cuajadas de estrógenos que cargan. Historias que recuerdan días de opiáceos a dosis terapéuticas (eso sí)
Volvemos a los prejuicios? Puede, pero Christina Rosenvinge sigue siendo una cantante epidérmica que sólo raramente llega a la dermis bien vascularizada, y casi nunca entra en el torrente sanguíneo. Pobre, ella que hace canciones de cardiólogo no consigue llega al corazón. Quizás porque ni siquiera roza la dermis.
Seguro que son prejuicios. Pero ni siquiera está claro si un galgo afgano sea más bello que un perdiguero
jueves, 3 de febrero de 2011
Escuchando músicas y explorando
Si se pasa bastante tiempo escuchando músicas suficientemente variadas y explorando un abanico de estilos bien abierto, se encuentran fragmentos, piezas o canciones que conmueven o que agitan sensores de sensibilidades profundas.
Esto puede ocurrir con grabaciones como The Electric Harpsichorde de Catherine Christer Hennix.
Esta grabación lleva por título el nombre de un instrumento electromecánico bastante conocido pero lo que se escucha no se parece en nada al sonido que se espera de este instrumento.
Tampoco su creadora es lo que se espera, ni nada relacionado con su edición ni con el proceso de su grabación. Alguna crítica erudita indica que este trocito de un concierto que se grabó en 1976 y se ha editado en 2010 es de un caprichosa singularidad.
Una substanciosa entrevista reciente resulta muy ilustrativa. En ella se habla de conceptos que ayudan (o no) a entender esta música y a su heterodoza creadora: matemáticas, frecuencias de onda, física quántica, entonaciones, India, abstracción, raga, jazz… Y tras rebuscar un poco se encuentra cómo la artista autodefine sus trabajos: HESE "Hallucinogenic Ecstatic Sound Experience” que sin duda suena mejor que el calificativo que le dedica la discográfica que ha editado The Electric Harpsichord: "the obscure masterpiece of the days of the early American minimalism".
La curiosidad incita a visualizar al artista, se consigue pero las inquietudes continúan.
Y es que la belleza de esta pieza de casi media hora provoca reacciones potentes y difíciles de explicar. El juego de acordes y reflujos a través de cintas con medios del siglo pasado resultan muy estimulantes y … modernos.
Algunas partes se pueden escuchar cómodamente aquí. Pero la escucha de la pieza al completo es necesaria para apreciar su calidez, elegancia vanguardismo. Se puede buscar fácilmente aquí o aquí.
En resumen las horas de exploración a veces acaban en islas exóticas con tesoros medio ocultos o medio visibles, depende de la inspiración del explorador. Algunos tienen la inspiración que precisan o la suerte de los que la buscan...
Esto puede ocurrir con grabaciones como The Electric Harpsichorde de Catherine Christer Hennix.
Esta grabación lleva por título el nombre de un instrumento electromecánico bastante conocido pero lo que se escucha no se parece en nada al sonido que se espera de este instrumento.
Tampoco su creadora es lo que se espera, ni nada relacionado con su edición ni con el proceso de su grabación. Alguna crítica erudita indica que este trocito de un concierto que se grabó en 1976 y se ha editado en 2010 es de un caprichosa singularidad.
Una substanciosa entrevista reciente resulta muy ilustrativa. En ella se habla de conceptos que ayudan (o no) a entender esta música y a su heterodoza creadora: matemáticas, frecuencias de onda, física quántica, entonaciones, India, abstracción, raga, jazz… Y tras rebuscar un poco se encuentra cómo la artista autodefine sus trabajos: HESE "Hallucinogenic Ecstatic Sound Experience” que sin duda suena mejor que el calificativo que le dedica la discográfica que ha editado The Electric Harpsichord: "the obscure masterpiece of the days of the early American minimalism".
La curiosidad incita a visualizar al artista, se consigue pero las inquietudes continúan.
Y es que la belleza de esta pieza de casi media hora provoca reacciones potentes y difíciles de explicar. El juego de acordes y reflujos a través de cintas con medios del siglo pasado resultan muy estimulantes y … modernos.
Algunas partes se pueden escuchar cómodamente aquí. Pero la escucha de la pieza al completo es necesaria para apreciar su calidez, elegancia vanguardismo. Se puede buscar fácilmente aquí o aquí.
En resumen las horas de exploración a veces acaban en islas exóticas con tesoros medio ocultos o medio visibles, depende de la inspiración del explorador. Algunos tienen la inspiración que precisan o la suerte de los que la buscan...
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